Brian De Palma

Brian De Palma observaba a su padre realizar cirugías ortopédicas a través de las rendijas de las puertas del hospital de Filadelfia. Esa frialdad clínica definió su forma de entender el encuadre desde sus inicios. Para este director el cine nunca fue una cuestión de sentimientos sino de pura mecánica visual. En sus manos la cámara funciona como un bisturí que disecciona la paranoia del espectador.

La mirada de un voyerista profesional.

Formó parte de la generación que asaltó Hollywood en los años setenta junto a nombres como Scorsese o Spielberg. Pero mientras sus colegas buscaban la redención o la maravilla, De Palma prefirió encerrarse en el lenguaje técnico de Alfred Hitchcock. En 1973 rodó Sisters y dejó claro que el suspense era una cuestión de geometría y pantallas partidas.

En 1976 estrenó Carrie con un presupuesto de apenas 1,8 millones de dólares. La película multiplicó esa cifra en taquilla y demostró que el terror podía ser elegante y barroco a la vez. De Palma no quería asustar de forma barata. Él buscaba que el espectador se sintiera culpable por mirar lo que no debía.

El estilo por encima de la moral

Su cine despertó críticas feroces por la representación de la violencia hacia las mujeres. En 1980 estrenó Dressed to Kill y los sectores más conservadores lo acusaron de misógino. Pero él siempre defendió que sus películas eran construcciones puramente estéticas. La técnica del plano secuencia se convirtió en su herramienta favorita para atrapar al público en coreografías imposibles.

En 1983 dirigió Scarface con un guion de Oliver Stone. El rodaje fue un caos de egos y la crítica inicial fue despiadada con la interpretación de Al Pacino. Hoy esa cinta genera beneficios millonarios en derechos de imagen y merchandising cada año. Fue el momento donde su estilo excesivo encajó perfectamente con la estética de la década.

Y la apuesta funcionó.

Durante 1987 rodó The Untouchables y logró su mayor triunfo comercial dentro del sistema de grandes estudios. La escena de la estación de tren en Chicago es un ejercicio de montaje que dilata el tiempo hasta lo insoportable. En ese proyecto manejó un presupuesto de 20 millones de dólares y devolvió a Sean Connery a la primera línea de la industria.

Los años de sequía y el exilio europeo

Pero la industria suele ser cruel con los que fallan en taquilla. En 1990 dirigió The Bonfire of the Vanities y el resultado fue un desastre financiero que casi termina con su acceso a los grandes presupuestos. La prensa especializada se cebó con el reparto y con una dirección que consideraron demasiado técnica para una sátira social.

En 1996 aceptó el encargo de Mission: Impossible. Fue un trabajo de mercenario de lujo donde demostró que podía domar su ego para servir a una estrella como Tom Cruise. Logró recaudar más de 450 millones de dólares en todo el mundo. Así que recuperó el crédito suficiente para rodar proyectos más personales que volvieron a dividir a la audiencia.

La cámara siempre se mueve por una razón técnica.

En 2007 rodó Redacted mediante cámaras digitales y estética de vídeo casero para denunciar crímenes de guerra. Fue una ruptura total con su pasado visual que apenas encontró distribución en salas comerciales. A partir de ese momento sus proyectos empezaron a depender de fondos europeos y producciones independientes lejos de Los Ángeles.

Durante 2019 estrenó Domino en localizaciones de Dinamarca y Bélgica bajo una producción llena de problemas financieros. El director repudió públicamente el montaje final porque la productora cortó escenas clave por falta de fondos. En 2020 publicó su primera novela titulada Are Snakes Necessary? escrita junto a Susan Lehman. El libro se centra en los escándalos políticos y el uso de la imagen como herramienta de extorsión.

En 2024 trabajó en el desarrollo del largometraje Sweet Vengeance con un plan de rodaje previsto en Estados Unidos. El presupuesto estimado para esta producción se fijó en 25 millones de dólares bajo la gestión de capital independiente.